Super 8

jueves, 18 de junio de 2015

Fotografos de la historia.

Steve McCurry:

Steve McCurry, nacido el 24 de febrero de 1950 es un fotoperiodista estadounidense, conocido principalmente por ser el autor de la fotografía "La niña afgana", aparecida en la revista National Geographic en 1985.

Ha cubierto distintos sucesos belicos como la Guerra de Afganistan o la Guerra del Golfo.

Robert Capa:

Robert Capa, pseudónimo de Endre Ernő Friedmann, fue un famoso corresponsal gráfico de guerra y fotoperiodista húngaro del siglo XX. Nacio el 22 de octubre de 1913, y murio el 25 de mayo de 1954.

Guerra Civil Española.

Operación Overlord (desembarco de Normandia)

Cubrio conflictos como la Guerra Civil Española y la Segunda Guerra Mundial. Fundo la organización Magnum Photos, la primera agencia de cooperación para fotógrafos independientes de todo el planeta.

Dorothea Lange:

Dorothea Lange nacio el 25 de mayo de 1895 y murio el 11 de octubre de 1965 fue una influyente fotoperiodista documental estadounidense, mejor conocida por su obra la "Gran Depresión". Su principal obra es "la mujer migrante".

En 1941, Lange recibió el premio Guggenheim Fellowship por la excelencia en fotografía. Cubrio los campos de reubicación japoneses construidos en Estados Unidos tras el ataque a Pearl Harbor.

Kevin Carter:

Kevin Carter nacio el 13 de septiembre de 1960 y se suicido 27 de julio de 1994 fue un reportero gráfico sudafricano. Ganó un Pulitzer en 1994 por fotografiar a un niño sudanés famélico con un buitre detrás.

Murió premeditadamente de intoxicación por monóxido de carbono a los 33 años.

Elliott Erwitt:

Elliott Erwitt nació en París el 26 de julio de 1928 es un fotógrafo estadounidense. Trabajó para los más importantes medios de prensa. Su calidad artística y su gran impacto comunicacional lo han situado en un lugar de privilegio entre los fotógrafos del siglo XX.

Charles C. Ebbets:

Charles Clyde Ebbets nació el 18 de Agosto de 1905. Fue un famoso fotógrafo norteamericano. Es conocido principalmente por su fotografía más icónica, Almuerzo en lo alto de un rascacielos. Murió el 14 de julio de 1978.

Alfred Eisenstaedt:

Alfred Eisenstaedt, fotógrafo y fotoperiodista, nació en Dirschau al Oeste de Prusia el 6 de diciembre de 1898, pero vivió principalmente en Estados Unidos. Trabajo en la revista Life desde 1936 hasta 1972. Su fotografía mas famosa fue V-J Day in Times Square. Falleció el 24 de agosto de 1995 en Jackson Heights, Nueva York.

Jeff Widener:

Jeff Widener nació en 1956. Fotógrafo de Associated Press, tomó la imagen mundialmente conocida como El Rebelde Desconocido en 1989, durante las Protestas de la Plaza de Tian'anmen. La fotografía muestra a un hombre protestando, desarmado y solitario, ante una columna de tanques que avanzaban por una avenida de Pekín.

Declan McCullagh:

Sus fotos han aparecido en publicaciones como: The New York Times, Los Angeles Times, GQ, Scientific American, la revista Business 2.0, la revista Gear, la revista Premiere, y otras decenas. También han sido elegidas para informes anuales, carátulas de CD, portadas de libros, y se han mostrado en la televisión.

Scott Stulberg:
Es uno de los fotógrafos actuales más reconocidos. (sin embargo apenas hemos conseguido información sobre él, pero seguro que reconoce esta fotografía.)

Toby Keller:
Keller se ha especializado en fotos nocturnas, de larga exposición. Son especialmente notorias sus fotografías marinas, debido a que consigue reproducir colores muy ricos y vibrantes. Toby es un artista increíblemente creativo según la prensa actual.

miércoles, 17 de junio de 2015

Fundamentos teóricos de la fotografía.

Composición de la imagen.

Las nociones básicas sobre la composición de una imagen son algo que debe tener en cuenta quien se sitúa tras una cámara fotográfica. La comprensión de ciertos conceptos técnicos como volumen, ritmo y textura, entre otros, permitirán "ver" mejores fotografías y componer imágenes con conocimiento de causa.

Organización.

En la fotografía, la organización es el primer elemento del lenguaje plástico-visual con el que debe familiarizarse el estudiante. La cámara, contrario a la mirada humana de una escena, reproduce sin distingos todo que aparece en el encuadre. Debido a esto, los principiantes se sorprenden cuando aparecen cosas o personas inesperadas en sus fotografías: líneas que cortan un paisaje, o en primer plano un brazo sin cuerpo o un cable eléctrico. Frecuentemente sucede esto porque el fotógrafo no repara en estos elementos durante la toma, por estar concentrado en su punto de interés.

Centro de atención.

Mediante la fotografía, el estudiante puede expresar sus emociones, ideas y sentimientos, observando de su entorno. Cuanto más complicado sea lo que estemos observando, más importante será determinar un punto de vista y un ángulo que clarifiquen la imagen e ilustren exactamente lo que se pretende. Cada vez que se hace una fotografía hay que preguntarse qué es lo que se quiere decir y analizar estas intenciones conscientemente en lugar de dejarlas a merced del azar o de la intuición. Por ejemplo, al inclinar la cámara hacia abajo y hacer la toma desde otro punto desaparece cualquier fondo inconveniente o se elimina el primer plano.

Una casa moderna destroza la foto de la abadía.

Pero si probamos un ángulo diferente, solucionamos el problema.

Profundidad.

La creación de la sensación de profundidad en una superficie plana es un problema legendario para pintores y dibujantes. Los principios geométricos de la perspectiva lineal, tan utilizada por estos, es inherente a casi todas las fotografías. Pero además de la perspectiva lineal puede lograrse sensación de profundidad utilizando la neblina atmosférica que hace que los objetos distantes tengan colores más claros y menor definición que los del primer plano.

Perspectiva.

Hay ocasiones en las que con solo cambiar el ángulo de la toma se incrementa la sensación de lejanía que da la perspectiva lineal.

Inclinando la cámara hacia arriba o hacia abajo se pueden lograr perspectivas interesantes.

La forma.

La forma, el volumen, la textura y el color son diferentes aspectos del carácter físico de los objetos. La forma es el más importante de estos cuatro elementos ya que regularmente, para reconocer un objeto nos basta su silueta.

¿Distinguimos lo que es por su forma?

El ritmo.

Los motivos rítmicos se encuentran en cualquier parte, siendo las formas naturales fuentes particularmente abundantes de ellos. Por ejemplo motivos geométricos regulares como, la disposición de las hojas de ciertas plantas, están incluidos en formas más complejas que a su vez se repiten a mayor tamaño.

Ejemplo de ritmo.

Textura.

La fotografía puede reproducir la textura de una superficie con una fidelidad tal que es fácil presentir la sensación que produciría tocarla. El resultado dependerá siempre de la iluminación. Cuando la luz oblicua resalta una textura, muchas superficies sin aparente interés quedan transformadas en temas muy decorativos.

Volumen.

Lo que da a los objetos fotográficos su aspecto sólido, su modelado es sobre todo el juego de luces y sombras. La calidad y dirección de la luz son determinantes para lograrlo. La yuxtaposición acentúa los volúmenes: rígido y blando; suave y anguloso, son cualidades que adquieren mayor relevancia si se presentan juntas.

Iluminación.

En muchos casos se necesitará suficiente luz para poder enfocar o distribuir la luz de manera pareja para evitar sombras. Con el uso de “flashes” se obtiene gran profundidad; además en distancias cortas, los extremadamente cortos momentos de luz, evitan que la cámara o el movimiento del sujeto difuminen la imagen. Sin embargo, en algunos casos, el flash cambia el color de la fotografía o causa una sobre exposición por estar muy cerca del sujeto.

Aquí la luz causa un contraste de luces y sombras.

Presentación de personajes de comic.

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Historia del comic.

La imprenta es el punto de partida del comic para algunos especialistas como David kunzle o pedro porce. Se introdujo en occidente gracias a Gutenberg en 1446, y desde el siglo XVI en Francia y luego en otros países.

Los humoristas gráficos ingleses del siglo XVIII, como Isaac Cruikshank desarrollaron los globos de diálogo en sus caricaturas para satirizar a sus gobernantes, el primer libro de historietas sea "Lenardo und blandine" de josefina Franz Von Goez.

Hay estudios que consideran que el cómic (historieta ) como un producto cultural de la modernidad industrial y política occidental que surgió en paralelo a la evolución de la prensa como primer medio de comunicación de masas, y buscan la primera entre las reproducidas en las revistas gráficas.

La Modernidad.

En el siglo XX el mayor productor e innovación fue EE.UU,los que hacían posible todo esto fueron algunos principales productores del país, Hearst y Pulitzer, atrayeron a todo tipo de público, niños y adultos, incluso á inmigrantes que no sabían inglés. Se llegó a luchar en los tribunales por su posesión y los tribunales sentenciaron en 1913 que un autor debía renombrar su serie se pasaba con ella a otro periodico. W. R. Hearts también impulso los recopilatorios de tiras y en 1914 fundó el Kings Feature Syndicate, la primera agencia para su distribución. Surgen también series que exploran las posibilidades cromáticas y rítmicas de la página.

Las tiras más populares oscilan entre el humor físico del slapstick y el tratamiento de los problemas de adaptación á la modernidad de un determinado grupo de personajes, podrían ser una familia o una pareja , siempre interpretada entre un padre y su esposa e hijos o entre dos compañeros.

La gran depresión de 1929 impulsaría a una renovación temática y estilística en la historieta estadounidense. Alex Raymond, Harold y burne hogar potenciarán un grafi mismo realista y elegante, cercano a la ilustración, en detrimento del gráfico carituresco habitual hasta entonces, sutituyeron lo episodio por la continuidad, tornado fundamentalmente el suspense en la última viñeta para fidelizar al lector.

La Edad de Oro.

Debido a la guerra, se prohibió la importación "cómic books" estaunidenses en el imperio británico, lo que permite un breve florecimiento de la producción autóctona en Canadá y Australia. Tras el conflicto, la historieta estadounidense se encuentra en su cénit, con unas ventas enormes y con un público compuesto por niños, adolescentes y adultos jóvenes, tanto masculinos como femeninos. Poco después va tropezar con graves limitaciones: de formato, para las tira de prensa, y temáticas, para los cómic books.

En En la prensa se impone la llamada daily strip (tira diaria), ocupaba uno de los fragmentos horizontales de una página de contenido heterogéneo y puede seimr, dependiendo del género, una narración completa o serial. También había publicaciones los domingos, aunque los autores eran diferentes.
En el cómic book, se alcanzaban una gran variedad temática, triunfando los de ciencia ficción (planet comic-1942), crímenes (crime does not pay-1942), funny animals ( Carl barks), terror (frankenstein comics-1945), romance (young romance-1947) y westerns destacando sobre todo los publicados por la empresa EC Cómics.

Entre 1938 y 1945 los superhéroes prosperaron, El Espíritu, Capitán América, Flash, La Antorcha y entre otros nacieron en varias publicaciones. En 1940 comics de guerra se pusieron de moda y los héroes patrióticos hicieron su debut. El Capitán América, creado por Joe Simon y Jack Kirby, se convirtió en el primer héroe en conseguir su propio titulo antes que apareciera el cómic. En 1945, con el final de la guerra, la edad de oro de los cómics empezó a dibujar su final y los comics de ciencia ficción ganaron popularidad.

Una Nueva Conciencia.

En 1962, se afianza una nueva conciencia del medio, sobre todo en Francia e Italia, de tal forma que los intelectuales ya no lo abordan desde una perspectiva propia de la psicología social, sino desde la estética y se crean instituciones para su estudio como el CELEG (centre d'étude des littératures d'expression graphique ), y el SOCERLID ( société d'études et de recherches des littératures dessinnées), que lanzan sus propias revista. Se celebran también congresos italianos como los de bordighuera (1965) y lucca (1966), así como una monumental exposición de historietas estadounidenses y francesas en ene, museo de artes decorativas del palacio del louvre (1967) y una en bienal mundial de dela historieta, en el instituto torcuato di tella (1968).

miércoles, 10 de junio de 2015

Historia de la fotografía.

Inicios de la fotografía.

La historia de la fotografía comienza a principios del siglo XIX cuando el científico francés Nicéphore Niepce obtuvo unas primeras imágenes fotográficas usando una cámara oscura y una placa de peltre recubierta en betún. Cuando Niepce comenzó sus investigaciones necesitaba un poco más de ocho horas de exposición, a plena luz del día, para obtener sus imágenes.

Camara oscura.

En 1827, Niepce entra en contacto con Daguerre, quien se interesa por su invento e insiste en un acuerdo de trabajo para que le revele su procedimiento, el cual logra firmar con Niepce poco antes de su muerte en 1833. Este perfecciona el procedimiento y crea el daguerrotipo, el cual resolvía algunos problemas técnicos del procedimiento inicial de Niepce y reducía los tiempos necesarios de exposición, para hacerlo más adecuado a los fines del retrato de personas.

Fotografía tomada con camara oscura.

Los retratos al daguerrotipo empezaron a divulgarse entre la clase burguesa de la Revolución industrial, por ser mucho más baratos que los pintados, lo que dio un gran impulso a esta nueva técnica. Las tecnicas de la camara oscura se fueron perfeccionando hasta 1888, cuando Kodak sacó al mercado una cámara que utilizaba carretes de película enrollable, en lugar de placas planas. El sistema inventado por Kodak se complementaba además con el revelado de las tomas luego de expuestas, y la carga de la cámara con nueva película. Bajo el concepto "Ud. aprieta el botón, nosotros hacemos el resto", Kodak creo la fotografía de aficionados.

Fotografía a color.

La fotografía en color fue experimentada durante el siglo XIX, pero no tuvo aplicaciones comerciales, por su dificultad e imperfección. Los experimentos iniciales no fueron capaces de conseguir que los colores quedaran fijados en la fotografía. Una primera fotografía en color fue obtenida por el físico James Clerk Maxwell en 1861, realizando tres fotografías sucesivas, con la lente con un filtro diferente: rojo, verde y azul.

A lo largo del siglo XIX, y principios del XX, algunas fotografías se coloreaban a mano, con acuarelas, óleo, anilinas, u otros pigmentos. Pero este coloreado manual era artístico y no técnicamente fotográfico.

Fotografía coloreada a mano.

La primera placa fotográfica en color, conocida comercialmente como Autochrome, fue patentada en diciembre de 1903 por los hermanos Lumière. pero no llegó a los mercados hasta 1907. Esas placas autocromas se fabricaban en Francia, y eran transparencias o diapositivas en soporte de vidrio.

Una de las primeras fotografías a color, hecha por los hermanos Lumiere.

Fueron utilizadas especialmente por fotógrafos aficionados de todo el mundo. La mayor colección de placas autocromas se conserva en el Museo Albert-Kahn.

La primera película fotográfica en color moderna, Kodachrome, fue utilizada por primera vez en 1935, y dejó de fabricarse en 2009. Eran diapositivas en color, producidas y reveladas por la compañía Eastman Kodak. Las demás películas modernas se han basado en la tecnología desarrollada por Agfacolor en 1936.

Evolución de la fotografía en el siglo XX.

Al principio se empleaba principalmente en el ambito del periodismo, aunque poco a poco se introdujo como un estilo artistico. La calidad de las camaras y la fotografía mejoró, y dio un gran salto en 1951 con los primeros VTR (video tape recorder), los cuales ya eran capaces de capturar imágenes de televisión, convertirlas en una señal eléctrica y guardarlas en soportes magnéticos. Estos son utilizados por la NASA para captar las primeras fotografías electrónicas de Marte.

Videocamara Bell.

En 1969, Willard Boyle y George Smith diseñan la estructura básica del primer CCD (acrónimo de Charge Couple Device ó Dispositivo de Carga Acoplada). Este dispositivo CCD planteado como un sistema para el almacenamiento de información es utilizado un año más tarde, por los laboratorios Bell como sistema para capturar imágenes al construir la primera videocámara.

Fotografía digital.

La aparición de la primera cámara digital en 1990 constituye la base de la creación inmediata de imágenes. A pesar de que en sus orígenes el precio de estas cámaras era elevado y las hacía inaccesibles para muchos, con el tiempo no sólo han bajado de precio sino que han aumentado su calidad técnica. La digitalización ha liberado a la fotografía del carácter documental histórico ya que ahora esta a disposición de casi cualquiera.

Primera camara digital.

Desde su invención, la fotografía tenía total credibilidad como testimonio incuestionable de la realidad debido al funcionamiento del dispositivo de captura. Posteriormente, la manera de registrar la realidad se ha considerado un posicionamiento ideológico, que nada tiene que ver con el carácter neutral y objetivo de su funcionamiento.

Las nuevas tecnologías digitales tienen la capacidad de convertir lo real e intervenir sobre el registro de la imagen, hasta el punto de manipular y distorsionar las imágenes sin perder el realismo fotográfico con el que fueron captadas.

Y ahora solo queda ver cual es el futuro...

Para terminar un breve vídeo sobre la historia de la fotografía.